#Arquitectura
“El año de 1988, resulta especial ya que el máximo galardón de la Arquitectura es otorgado por primera vez a dos arquitectos, Gordon Bunshaft y Oscar Niemeyer, de América del Norte y del Sur respectivamente.”
Carlos Rosas C / @CarlosRosas_C
carlos.rc@inperfecto.com.mx
El 27 de diciembre de 2020, el Especial de Arquitectura en InPerfecto, dio la bienvenida a la serie “Premio Pritzker, Los Galardonados”, un especial donde se rinde homenaje a todos y cada uno de los arquitectos que merecidamente bajo los criterios de la Fundación Hyatt han recibido desde el año de 1979 éste, qué, es el máximo galardón en materia de arquitectura considerado para destacar el aporte al enriquecimiento del entorno humano.
La organización del Premio Pritzker, el protocolo para la selección del ganador y la ceremonia de entrega, siguen un patrón similar a los de la entrega del Premio Nobel, y quizá sea esta una de las razones por las que los medios consideran a estos dos galardones al mismo nivel de importancia.
La década de los noventa significó cambios muy importantes a nivel mundial que dieron un vuelco interesante y a la vez convulso; el 9 de noviembre de 1989 un aire de esperanza renueva el ánimo europeo con la caída del muro de Berlín, Mediante la firma de un Tratado de Unificación, se vuelven a unir Alemania del Este y del Oeste finalizando así 45 años de división, algunos historiadores señalan el final de la Guerra Fría cuando en París se reúnen Estados Unidos, la Unión Soviética y otros 30 Estados en la Conferencia para la Seguridad y la Cooperación en Europa, que concluirá el día 21 de noviembre de 1990 con la firma de la Carta de París para una nueva Europa, Saddam Hussein, invaden y ocupan Kuwait dando inicio al conflicto conocido como la Guerra del Golfo Pérsico, por otro lado Margaret Thatcher anuncia su dimisión como primera ministra británica, cargo que ha venido desempeñando continuadamente desde el 4 de mayo de 1979.
Lituania se convierte en la primera república soviética independiente de la URSS, como resultado del proceso de liberalización social iniciado en 1980 por el ex presidente soviético Mijail Gorbachov, en Sudáfrica el recientemente electo presidente F.W. De Klerk levanta la prohibición que desde hace 30 años rige sobre el grupo del Congreso Nacional Africano, lo que conllevará la salida inmediata de la cárcel de Nelson Mandela, marcando el comienzo del fin de la política racista de segregación denominada “apartheid”.
El año de 1988, resulta especial ya que el máximo galardón de la Arquitectura es otorgado por primera vez a dos arquitectos, Gordon Bunshaft y Oscar Niemeyer, de América del Norte y del Sur respectivamente, cuyas obras se encuentran entre las más influyentes y reconocidas en el siglo XX, además de representar ideologías diametralmente opuestas, aspecto que deja de manifiesto que la corriente del pensamiento ha tenido un cambio en el que los viejos paradigmas comenzaron a cuestionarse y en muchos casos a derribarse.
Continuemos con este recorrido por los primeros 20 años en los que el Premio Pritzker ha sido entregado a destacadas figuras de la arquitectura, 20 años en los que vale la pena revisar el trabajo y el pensamiento de los arquitectos que han influenciado e inspirado la labor de muchos.
11.- OSCAR NIEMEYER, PREMIO PRITZKER 1988. (Brasil)
LIRICA Y PLÁSTICA EN MOVIMIENTO.
En 1932 inició su vida profesional como pasante en la oficina de Lúcio Costa. Influenciado por la obra de Le Corbusier, Niemeyer profesó el funcionalismo arquitectónico, enfocándose gradualmente en las relaciones entre la arquitectura y el entorno. Invitado por Lúcio Costa, viajó a Estados Unidos para participar en el proyecto del Pabellón de Brasil en la Feria Mundial de Nueva York.
En 1945, ya como un arquitecto de cierta reputación, se unió al Partido Comunista de Brasil, para luego viajar nuevamente a la ciudad de Nueva York, esta vez, con el encargo de construir la Sede de la Organización de las Naciones Unidas (ONU). Este sería unos de los proyectos a gran escala más destacados de su carrera.
Como presidente, Juscelino Kubitschek nombró a Niemeyer como el arquitecto jefe de Brasilia, y sus diseños complementaron los planes generales de Lucio Costa. En 1960, finalmente fue inaugurada Brasilia como la nueva capital de Brasil, donde muchos de los edificios más icónicos de la capital fueron diseñados por Oscar Niemeyer. La arquitectura de Niemeyer, concebida como escultura lírica, amplía los principios e innovaciones de Le Corbusier para convertirse en una especie de escultura de forma libre.
“Siempre”, -dijo Niemeyer-, “he aceptado y respetado todas las demás escuelas de arquitectura, desde las estructuras frías y elementales de Mies van der Rohe hasta la imaginación y el delirio de Gaudí. Debo diseñar lo que me agrada de una manera que sea naturalmente vinculado a mis raíces y al país de mi origen ”.
El arquitecto Oscar Niemeyer falleció el 5 de diciembre de 2012, fue postulado para ser incluido dentro del listado de los 100 personajes mas influyentes de la historia de Latinoamérica, donde se encuentran otros grandes personajes el novelista Gabriel García Márquez.
12.- FRANK GEHRY, PREMIO PRITZKER 1989. (Canadá-Estados Unidos)
ESPÍRITU VIVO E IMPREDECIBLE.
Su obra se inserta en la corriente post-modernista y en el desconstructivismo, del cual es unánimemente reconocido como uno de los principales exponentes.
En sus edificios, la característica descomposición y los reensamblajes “aparentemente ilógicos” introducen, sin embargo, un constante “diálogo entre las formas del pasado y aquellas actuales”, desvelando “un enfoque a la forma y a los materiales que se inspira en la pintura y la arquitectura”.
“Me acerco a cada edificio como un objeto escultórico, un contenedor espacial, un espacio con luz y aire, una respuesta al contexto y la adecuación del sentimiento y espíritu. A este contenedor, a esta escultura, el usuario trae su equipaje, su programa e interactúa con él para adaptarse a sus necesidades. Si no puede hacer eso, he fallado “.
Son especialmente dos famosos museos los que asumen una particular importancia en el contexto de su trayectoria constructiva: el Vitra Design Museum en Alemania (1989), primera obra de Gehry en Europa, y el renombrado Guggenheim Museum en Bilbao, España (1997), uno de los 4 museos de la Fundación Guggenheim, que se suma a Venecia, Nueva York y Berlín.
“La arquitectura de Gehry refleja su profundo aprecio por las mismas fuerzas sociales que han informado el trabajo de artistas destacados a lo largo de la historia, incluidos muchos contemporáneos con los que a menudo colabora. Sus diseños, si se comparan con la música estadounidense, podrían compararse mejor con el jazz, repletos de improvisación y un espíritu vivo e impredecible”.
Gehry ha recibido más de 25 premios AIA nacionales y regionales, el premio Brunner, el Pritzker de Arquitectura 1989, la National Medal of Arts en 1998, la Medalla Presidencial de la libertad en 2016. Es un conferencista muy solicitado para museos, sociedades de arquitectura y universidades.
13.- ALDO ROSSI, PREMIO PRITZKER 1990. (Italia)
TEÓRICO, ARTISTA Y MAESTRO.
Su carrera profesional, inicialmente Dedicada a la teoría arquitectónica y la pequeña obra de construcción, dio Un gran salto cuando Aymonino permitió a Rossi Diseñar parte del Complejo Monte Amiata en el barrio Gallaratese de Milán. En 1971 ganó el concurso de diseño para la ampliación del Cementerio de San Cataldo en Módena, lo que le dio fama internacional.
En 1960 nace “la Tendenza”, Aldo Rossi al lado de los arquitectos Aymonino, Botta, Grassi, Reichlin y Reinhar, desarrollan este concepto que se convirtió en el movimiento Neoracionalista que comenzó a cimentar las bases sobre las que se habría de asentar el pensamiento urbano más influyente del último tercio del siglo pasado en Europa. El Neoracionalismo tiene un significado cultural y social de las urbes, la importancia de las formas históricas como una fuente y la necesidad de renovar las reglas y prototipos de la Arquitectura con la combinación racional de todos sus elementos.
Existe en el Neoracionalismo una oposición a la tendencia de tratar la Arquitectura solo como una comodidad y negando la teoría que la Arquitectura empieza y acaba en tecnología. Su punto de referencia ideológica se encontró en el revisionismo marxista de Gramsci y su intento de construir una nueva cultura de izquierdas. Para incorporar la arquitectura y el urbanismo a este proyecto, la Tendenza planteó la necesidad de refundarlas como disciplinas autónomas. Nacía así la idea de repensar la ciudad desde términos estrictamente disciplinares, una tarea que se acometería trasladando a ella el pensamiento estructuralista.
Como teórico de la arquitectura y el diseño urbano, escribió La Arquitectura de la Ciudad en 1966. Publicado originalmente en Italia, desde entonces ha sido traducido a siete idiomas y se ha convertido en una referencia internacional en el tema. Su A Scientific Autobiography, que se publicó por primera vez en inglés en 1981, ha proporcionado una comprensión aún mayor de sus creencias.
Ganó la Medalla Thomas Jefferson en Arquitectura Pública de 1991 del Instituto Americano de Arquitectos. A estos prestigiosos premios siguieron exposiciones en el Centre Georges Pompidou de París, la Beurs van Berlage de Ámsterdam, la Berlinische Galerie de Berlín y el Museo de Arte Contemporáneo de Gante, Bélgica.
El arquitecto Aldo Rossi falleció en Milán, Italia el 4 de septiembre de 1997 tras un accidente de tránsito. De manera póstuma recibió el Premio Torre Guinigi por su contribución a los estudios urbanos y el Premio Seaside del Seaside Institute en Florida, donde había construido una vivienda unifamiliar en 1995.
14.- ROBERT VENTURI, PREMIO PRITZKER 1991. (Estados Unidos)
FILÓSOFO Y ARQUITECTO.
En su primer libro, Complexity and Contradiction in Architecture , publicado en 1966 por el Museo de Arte Moderno, Venturi planteó la pregunta: “¿No está Main Street casi bien?” Abogaba por lo que llamó “la vitalidad desordenada” del entorno construido. Como él mismo dice, “Estábamos pidiendo una arquitectura que promueva la riqueza y la ambigüedad sobre la unidad y la claridad, la contradicción y la redundancia sobre la armonía y la simplicidad”.
Estaba desafiando al modernismo con las múltiples soluciones disponibles de la historia, una historia definida como relacionada no solo con el sitio de construcción específico, sino con la historia de toda la arquitectura. Quería que la arquitectura se ocupara de las complejidades de la ciudad, se volviera más contextual.
En su prefacio original del libro, Venturi afirma: “Como arquitecto, trato de guiarme no por el hábito, sino por un sentido consciente del pasado, por un precedente, considerado cuidadosamente”. Continúa más tarde: “Como artista, francamente escribo sobre lo que me gusta de la arquitectura: la complejidad y la contradicción. De lo que encontramos que nos gusta, lo que nos atrae fácilmente, podemos aprender mucho de lo que realmente somos”.
Venturi es un arquitecto cuyo trabajo no se puede categorizar; para él, nunca hay una solución única. Para que nadie intente encasillarlo como posmodernista, declaró que practicaba la arquitectura moderna y parafraseó sus propias palabras antes sobre Main Street, “el movimiento moderno estaba casi bien”. Venturi ha permitido aceptar lo casual y lo improvisado en el entorno construido.
Robert Venturi, Denise Scott Brown y Steven Izenour colaboraron en otro libro, publicado en 1972, Learning from Las Vegas , una exploración más profunda de la expansión urbana y los suburbios en relación con sus teorías arquitectónicas. También se publicó una colección de sus escritos en 1984, A View from the Campidoglio: Selected Essays, 1953-1984.
La designación de Robert Venturi como Premio Pritzker, estuvo rodeada de polémica debido a que a pesar del trabajo conjunto que desarrolló con la Arquitecta Denise Scott Brown no tuvo el peso suficiente para ser también galardonada con el Pritzker. El Arquitecto Robert Venturi falleció el 18 de septiembre de 2018 en su natal Filadelfia Pensilvania Estados Unidos.
15.- ÁLVARO SIZA, PREMIO PRITZKER 1992. (Portugal)
SENCILLO Y HONESTO.
Entre 1955 y 1958 sigue una importante formación en el estudio de su ex-profesor Fernando Távora, del cual aprende “la lectura sensible y atenta al relato antropológico y topográfico”. Esta práctica lo conduce a una visión arquitectónica “que mantiene el respeto por las tradiciones vernáculas, pero buscando su continuidad en un contexto contemporáneo”.
“Todo diseño” -dice Siza– “es un intento riguroso de capturar un momento concreto de una imagen transitoria en todos sus matices. La medida en que se captura esta cualidad transitoria, se refleja en los diseños: cuanto más precisos son, la más vulnerable.”
La arquitectura de Álvaro Siza es una alegría para los sentidos y eleva el espíritu. Cada línea y curva se coloca con habilidad y seguridad. Como los primeros modernistas, sus formas, moldeadas por la luz, tienen una engañosa sencillez; son honestos. Resuelven problemas de diseño directamente. Si se necesita sombra, se coloca un plano sobresaliente para proporcionarla. Si se desea una vista, se crea una ventana. Las escaleras, rampas y paredes parecen estar predestinadas en un edificio de Siza. Sin embargo, esa simplicidad, tras un examen más detenido, se revela como una gran complejidad. Hay un dominio sutil subyacente a lo que parecen ser creaciones naturales. Parafraseando las propias palabras de Siza, la suya es una respuesta a un problema, una situación en transformación, en la que participa.
Si el posmodernismo no hubiera reclamado el término y no hubiera distorsionado su significado, los edificios de Álvaro Siza podrían haber sido legítimamente llamados con ese nombre. Su arquitectura procede directamente de las influencias modernistas que dominaron el campo desde 1920 hasta 1970.
“La atención característica de Siza a las relaciones espaciales y la adecuación de la forma son tan relevantes para una residencia unifamiliar como lo son para un complejo de viviendas sociales o un edificio de oficinas mucho más grande. La esencia y la calidad de su trabajo no se ven afectadas por la escala.”
16.- FUMIHIKO MAKI, PREMIO PRITZKER 1993. (Japón)
RITMO Y ESCALA.
“El diseño arquitectónico es quizás la actividad más extraña realizada por muchas profesiones, y un grupo que se dedica al diseño arquitectónico es igualmente una organización curiosa. La arquitectura es un campo muy ambiguo”.
Al principio de su carrera, se convirtió en miembro fundador de un grupo de vanguardia de talentosos jóvenes arquitectos japoneses que se autodenominaban Metabolistas, una palabra derivada del griego con varios significados: alteración, variación, revolución, siendo la capacidad de cambio y la flexibilidad elementos clave de su visión.
Uno de los objetivos nunca fue diseñar de forma aislada de la estructura de la ciudad en su conjunto. Maki ha expresado su preocupación constante por las “partes” y el “todo”, describiendo una de sus metas como lograr un equilibrio dinámico que incluye a veces masas, volúmenes y materiales en conflicto.
Utiliza la luz de manera magistral haciéndola una parte tan tangible de cada diseño como lo son las paredes y el techo. En cada edificio, busca la forma de hacer que la transparencia, la translucidez y la opacidad coexistan en total armonía. Para hacer eco de sus propias palabras, “El detalle es lo que le da a la arquitectura su ritmo y escala”.
Fumihiko Maki se llama a sí mismo un modernista, inequívocamente. Sus edificios tienden a ser directos, a veces discretos, y están hechos de metal, hormigón y vidrio, los materiales clásicos de la era modernista, pero la paleta canónica también se ha ampliado para incluir materiales como mosaicos, aluminio anodizado y acero inoxidable. Junto con muchos otros arquitectos japoneses, ha mantenido un interés constante en las nuevas tecnologías como parte de su lenguaje de diseño, aprovechando con frecuencia los sistemas modulares en la construcción.
Hace un esfuerzo consciente por captar el espíritu de un lugar y una época, produciendo con cada edificio o conjunto de edificios, una obra que aprovecha al máximo todo lo que actualmente está a su alcance. Maki habla a menudo de la idea de crear “escenas inolvidables” —en efecto, escenarios para acomodar y complementar todo tipo de interacción humana— como inspiración y punto de partida para sus diseños.
Nos acercamos al desenlace de esta revisión de 20 años de historias, teoría y trabajo que ha sido reconocido, analizado y criticado; la arquitectura tienen el poder de cambiar la fisonomía de la ciudades, el paisaje y quedar plasmada en la memoria de todo aquel que de un modo u otro ha tenido la oportunidad de vivirla, trabajarla o crearla.
